Capítulo 6: Um Novo Capítulo para os Sintetizadores Yamaha
A Série Reface, Nascida de um Projeto Extra-Curricular
À medida que as tecnologias centrais dos sintetizadores e de outros produtos amadurecem, a Yamaha continua a desenvolver novos e empolgantes produtos, avaliando o mercado e antecipando as necessidades em constante evolução dos músicos. Em resposta, por exemplo, a uma pesquisa de mercado detalhada realizada para novas versões da série MOTIF e ao crescente interesse dos criadores de música pela workstation sintetizadora, foram desenvolvidos produtos para satisfazer a procura de uma maior compatibilidade com o Cubase e outros softwares de produção musical, conhecidos como Estações de Trabalho de Áudio Digital (DAW). Contudo, numa sociedade orientada pela informação e saturada de dados cada vez maiores e mais rápidos, o sucesso não se resume a uma rápida reação ao sentimento do mercado. É neste contexto que três jovens engenheiros da Yamaha embarcaram numa audaciosa busca.
Tudo começou quando os três, que frequentemente conversavam com paixão sobre os instrumentos musicais dos seus sonhos, começaram a reunir-se após o trabalho para criar um novo sintetizador. Sendo almas gémeas e tendo cada um apreciado ajustar os sons desses instrumentos durante anos, falaram entusiasticamente sobre controladores de sintetizadores que se queriam agarrar e tocar, e começaram a trabalhar num protótipo.
A inspiração inicial provinha do altamente interativo CS01, lançado pela Yamaha em 1982. O objetivo era que o projeto extracurricular fosse mais do que uma simples ferramenta para tocar músicas, elevando o prazer puro de manipular sons a novos patamares. Afinal, não era isso que o sintetizador deveria proporcionar originalmente?
O próximo passo foi convencer os colegas da Yamaha a adotar o conceito como um projeto oficial de desenvolvimento. Para tal, foi criada uma vasta quantidade de material de apresentação e houve uma entusiástica campanha dentro da empresa. O esforço resultou na aprovação para integrar o projeto extracurricular como um sub-projeto a ser desenvolvido durante uma parte do horário de trabalho habitual.
A equipa começou por avaliar a viabilidade do ES—um sintetizador que acabaria por evoluir para o modelo CS na série reface. Com o nome derivado da abreviatura de "Enjoy Synthesis" (Desfrutar de Sintetizadores), este instrumento conceptual estava equipado com um gerador de sons analógico e controladores simples, com o objetivo de compreender melhor como os utilizadores poderiam realmente divertir-se com o som.
Começando com um teclado mini e um formato semelhante ao do CS01, os três engenheiros exploraram novas características de design e funções que gostariam de incorporar, chegando ao conceito de um instrumento “pequeno, mas sério” que facilitasse a exploração do som. O ES foi desenvolvido como a materialização deste conceito, mas, para além da abordagem analógica inicial, também foram testados outros geradores de som—nomeadamente, o gerador de sons por modulação de frequência DX, o gerador de sons CP para pianos elétricos e o gerador de sons YC para órgãos.
A fase seguinte consistiu em construir um protótipo capaz de gerar sons cativantes. Para tal, foram adicionados software, um teclado e outros elementos de controlo, como deslizadores, ao gerador de sons por modelação analógica AN, já desenvolvido pela Yamaha. Mesmo nesta fase relativamente inicial, a decisão de explorar os aspetos emotivos do interface de utilizador (IU) utilizada para interagir com o som foi um fator crucial para transformar com sucesso o reface num instrumento musical “pequeno, mas sério”.
Muito antes de evoluir para o CS, este protótipo começou a desenvolver uma identidade claramente distinta dos sintetizadores analógicos virtuais — instrumentos digitais que simulavam a experiência analógica — disponíveis no mercado na época. Esta divergência começou quando os engenheiros otimizaram a interação entre os deslizadores e os parâmetros.
Um sintetizador analógico típico cria som usando três componentes principais: os osciladores que produzem ondas sonoras como dente de serra, quadrada e outras; os filtros usados para tornar essas ondas sonoras mais brilhantes ou mais escuras; e os amplificadores que controlam o volume do som resultante. Além disso, envelopes podem ser usados para mudar o comportamento de cada componente ao longo do tempo, enquanto os osciladores de baixa frequência os modificam de forma cíclica. Como resultado, mesmo os instrumentos mais simples possuem um número formidável de parâmetros para esculpir o som. Mas o ES era diferente. Apenas três deslizadores — Tipo, Textura e Mod — ofereciam controle quase total sobre a infinidade de sons que o gerador de tons AN poderia produzir. Graças a essa inovação, explorar novos sons tornou-se ainda mais fascinante.
O protótipo ES passou por várias fases de revisão interna, onde as observações foram essenciais para aprimorar o gerador de sons, o interface e o tamanho geral. A equipa focou-se em designs físicos que tornassem o conceito de “pequeno, mas sério” uma realidade, contando com a ajuda de designers experientes que partilhavam a mesma visão.
Assim que as pessoas viram o conceito de design original em forma física e experimentaram por si mesmas a alegria de brincar com o seu som, ficaram conquistadas. Foi então decidido desenvolver o sintetizador como um produto totalmente novo da Yamaha.
Além do corpo do sintetizador, foram propostas novas ideias para botões, alavancas e deslizadores que fossem agradáveis de manusear, bem como outros elementos atraentes. Todos estes foram combinados em vários modelos de design. Com a forma física do sintetizador começando a se concretizar, uma forte sensação de entusiasmo começou a crescer durante as apresentações que atualizavam os colegas sobre o progresso. Tornou-se claro que a construção de um protótipo totalmente funcional era um passo crucial a seguir, e a aprovação foi concedida.
Não há forma mais verdadeira de criação do que transformar uma ideia da imaginação em uma forma física. Neste espírito, a equipa reuniu-se dia após dia, após as suas tarefas habituais, trabalhando incansavelmente até que o protótipo estivesse concluído. Inspirados pelo instrumento pequeno, mas sério, que tinham em mente, uma combinação de criatividade, engenho e dedicação levou-os a alcançar o objetivo. Agora, tinham um protótipo funcional.
Mesmo após superar este obstáculo, surgiram novos desafios, como a comercialização e a viabilidade de fabrico, que precisavam ser abordados. Em particular, era necessário desenvolver um novo tipo de teclado — funcional e altamente compacto — para concretizar com sucesso o instrumento musical pequeno, mas sério. Sabia-se que era necessário criar o teclado miniatura mais eficaz do mundo para alcançar o sucesso, e com a ajuda de especialistas em teclados, iniciou-se o trabalho. A Melódica da Yamaha — um instrumento de teclado educativo — serviu como ponto de partida valioso, e a funcionalidade foi ainda mais aprimorada com teclas individuais mais longas do que as de outros instrumentos compactos, como o CS01 e o DX100. Nenhum detalhe foi negligenciado para concretizar este novo teclado. Como a forma da superfície superior das teclas influencia significativamente o conforto ao tocar, seja ao mantê-las pressionadas ou ao tocar em glissando, foi dada atenção especial a este aspeto. Como o esforço foi liderado por três membros principais, que partilhavam uma compreensão e paixão únicas pelo projeto, não restavam dúvidas de que o teclado terminado correspondia ao conceito original de design.
Todos os principais elementos do reface estavam agora reunidos, mas muitos obstáculos ainda precisavam ser superados antes que pudesse ser lançado como um produto Yamaha. Primeiramente, a montagem dos componentes críticos em espaços reduzidos na caixa, sem precisar redesenhar completamente, representava um grande desafio. Não se tratava apenas de usar componentes ligeiramente mais finos aqui e ali para ganhar um milímetro ou dois: toda a estrutura interna precisava possibilitar a produção em massa nas linhas de montagem da empresa. Além disso, a equipa de desenvolvimento de sintetizadores não dispunha de altifalantes incorporados que atendesse ao conceito de "pequeno mas sério", por isso tiveram de ser projetados do zero.
Parte disso envolveu a seleção cuidadosa dos conversores digital-analógicos (ou DACs), nos quais a qualidade do som depende.
Em paralelo com estes esforços, o desenvolvimento do som distintivo do instrumento foi realizado com rigor absoluto e atenção aos detalhes.. No ES — precursor do reface CS — a atenção concentrou-se nos parâmetros que controlavam os osciladores. No DX, os algoritmos de síntese FM e a interface foram renovados para tornar o complexo gerador de sons FM mais compreensível e fácil de operar. Para o CP, os parâmetros específicos dos sons, como drive e tremolo, foram ajustados com precisão. O YC incorporou novos samples, gravados com precisão a partir do sofisticado órgão que lhe serve de referência.
Agendados para lançamento em julho de 2015, o reface CS, reface DX, reface CP e reface YC foram o resultado desse esforço incessante, dedicação e compromisso com o conceito original. Estes instrumentos ofereceram aos seus utilizadores a oportunidade de voltar a ter um contacto direto com os instrumentos musicais, o que inspirou o nome “reface”.
Graças ao desejo fervoroso dos seus criadores de reviver os seus sintetizadores favoritos como novos produtos, o sonho dos três engenheiros que conceberam o conceito de pequeno, mas sério, torna-se realidade sempre que os utilizadores o experimentam da mesma forma.
Prioridade aos Avanços Musicais com o MONTAGE
Reinando como o modelo topo de gama da linha de sintetizadores da Yamaha durante mais de uma década e meia desde o seu lançamento em 2001, o MOTIF foi projetado para ser o sintetizador de estação de trabalho definitivo. Estabeleceu uma posição praticamente imbatível no mercado, mas com o passar dos anos, os utilizadores e artistas começaram a manifestar um desejo crescente por um novo modelo topo de gama da Yamaha. A resposta da Yamaha não foi simplesmente lançar um novo MOTIF, mas sim reavaliar os méritos intrínsecos do próprio sintetizador de hardware.
Não foi uma tarefa fácil. Para começar, procurou-se entender se este tipo de instrumento poderia, de forma realista, competir com a estação de trabalho áudio digital (DAW), que agora está na sua era dourada. Neste contexto, considerou-se se o verdadeiro propósito do sintetizador de hardware era a criatividade encontrada na criação e controlo físico dos sons. Questionou-se o que é necessário para criar sons que mereçam um sintetizador de topo e controlá-los de forma significativa.
Os criadores do novo sintetizador de topo concentraram-se no papel do sintetizador na música contemporânea, nas formas como os utilizadores produzem música atualmente e no som que um tal instrumento deve ter. As suas investigações levaram à conclusão de que duas novas características do sintetizador eram a chave para uma expressão quase ilimitada.
A primeira destas características é a capacidade de manipular o som de forma multidimensional. Os sons produzidos por sintetizadores convencionais são moldados, por exemplo, alterando parâmetros de filtro para torná-los mais brilhantes ou mais escuros. O carácter também pode ser adicionado de várias outras formas, como modulando o volume e acrescentando efeitos áudio especiais. Como resultado, estes instrumentos apresentam uma vasta gama de parâmetros controláveis. No entanto, estes parâmetros devem ser ajustados um a um para esculpir o som. A capacidade de modificar vários deles simultaneamente é o conceito fundamental por trás da modulação multidimensional.
Os parâmetros podem, naturalmente, ser atribuídos a botões, deslizadores e outros controladores e ajustados em tempo real, se desejado. No entanto, manipular controladores com ambas as mãos, como um DJ, deixaria nenhuma mão livre para tocar o teclado. Além disso, a forma como os parâmetros mudam em conjunto também influencia significativamente a evolução dos sons — um bom exemplo são os parâmetros de corte e ressonância do filtro. Constatou-se rapidamente que os métodos de controlo existentes não resolviam estes problemas, levando os designers da Yamaha a criar o Super Knob, uma solução que permite modular facilmente muitos parâmetros de forma multidimensional, mantendo a possibilidade de tocar o teclado.
A inspiração para este controlador versátil veio da automação — uma característica comum das DAWs que controla automaticamente os sons, níveis de efeito e outros parâmetros do áudio e MIDI gravados enquanto as faixas tocam. No entanto, a automação apenas reproduz as alterações de parâmetros previamente gravadas, e no contexto de performance ao vivo, é completamente inadequada para mudanças improvisadas inspiradas pela música ou pelo nível de entusiasmo do público. O Super Knob foi, assim, concebido como uma forma de replicar a funcionalidade da automação em tempo real com um único controlador.
A segunda chave para uma expressão ilimitada envolve a modulação rítmica do som. É evidente que as variações rítmicas no som são uma parte fundamental de qualquer melodia, mas, na música atual, esse tipo de modulação sincronizada vai além do tom, da duração das notas e de outras informações que podem ser registadas na pauta musical, abrangendo também o timbre, os níveis de efeitos, entre outros aspectos.
A modelação do som dessa forma tornou-se um aspeto crucial no desenvolvimento do novo modelo de topo da Yamaha, e os esforços dos designers para abordá-la resultaram em três novas funcionalidades: o Sequenciador de Movimento, o Seguidor de Envelope e a Sincronização por Batida de Áudio.
O primeiro destes—o Sequenciador de Movimento—permite a manipulação do som em sincronização com sequências de alterações de parâmetros que foram previamente configuradas. Com cada sequência de movimento contendo até dezasseis passos individuais, é possível criar padrões rítmicos altamente complexos alternando entre sequências ou executando-as em simultâneo. As próprias sequências podem até ser alteradas em tempo real utilizando controladores.
O Envelope Follower permite controlar parâmetros usando o envelope dos sinais de áudio recebidos através do bloco de Entrada A/D — mais especificamente, a forma como o volume destes sinais varia ao longo do tempo — proporcionando uma modulação multidimensional que reflete o ritmo do áudio de entrada. Por outro lado, o Audio Beat Sync deteta o tempo deste áudio de entrada e sincroniza o sintetizador com ele. Estas funções foram projetadas e desenvolvidas com a performance ao vivo em mente, permitindo não só a sincronização com uma estação de trabalho em áudio (DAW), mas também adaptando-se a situações em que o baterista define o ritmo e os sons do sintetizador são modulados em tempo com esse ritmo.
Embora a equipa tenha decidido por este conceito central de modulação sonora multidimensional em tempo real sincronizada com a música, o gerador de sons, que funciona como o coração de qualquer sintetizador, precisava ser aprimorado para tornar isso uma realidade.
Desde a sua inclusão no MOTIF como um gerador de sons de amostragem, o AWM2 evoluiu significativamente em termos de funcionalidade e fidelidade. No entanto, todos os seus sons amostrados, bem como aqueles criados a partir deles num processo conhecido como "voicing", foram continuamente aprimorados ao longo de um longo período para alcançar os mais elevados níveis de expressividade e qualidade sonora. No entanto, a abordagem convencional de criação de sons, que inclui amostragem, filtros e efeitos, não seria suficiente para atingir o potencial máximo da modulação sonora multidimensional. Assim, chegou-se à conclusão de que o gerador de sons do instrumento precisava ser capaz de modular dramaticamente as formas de onda dos osciladores. A solução óbvia foi a modulação de frequência — um método lendário de produção de som originalmente desenvolvido pela Yamaha para a sua muito apreciada linha de sintetizadores DX.
Naquela altura, a Yamaha já estava a trabalhar num chip de gerador de sons personalizado que incluía um motor de síntese FM de próxima geração, e a sua conclusão planeada coincidiu com o desenvolvimento do novo modelo topo de gama. Uma das características que torna o gerador de sons FM único é a sua capacidade de transformar instantaneamente, por exemplo, uma onda senoidal com poucos ou nenhuns harmónicos num som metálico completo. Convencidos de que esta capacidade elevaria o potencial do Super Knob e do Motion Sequencer a novos patamares, decidiu-se combinar o motor AWM2 com o novo motor FM no coração do instrumento.
atizado de FM-X, este novo motor FM apresentava oito operadores, que são os elementos fundamentais para criar e modular sons neste tipo de síntese, juntamente com 88 algoritmos. E como se isso não fosse suficiente, os operadores agora podiam também utilizar ondas diferentes das ondas senoidais, e novos parâmetros, como Spectral Skirt e Spectral Resonance, possibilitavam a modelagem dos harmónicos dessas formas de onda não senoidais. Tudo isto, combinado com a capacidade de ajustar cada parâmetro FM com uma precisão muito maior do que nunca, permitindo uma modulação mais suave entre os sons, tornava o novo FM-X muito mais expressivo do que qualquer sintetizador FM anterior.
A secção de gerador de sons do novo sintetizador de topo seria, assim, construída sobre os dois pilares dos motores AWM2 e FM-X. É comum que sejam atribuídos nomes de código a produtos em desenvolvimento, e o novo topo de gama não foi exceção: como o termo "Dual Algorithm Interactive Synthesizer" já havia sido utilizado para o novo instrumento de modulação multidimensional, o nome de código escolhido foi "Daisy".
Simultaneamente ao desenvolvimento das especificações do gerador de sons do Daisy e da funcionalidade central Motion Control—incluindo características de modulação como o Super Knob e o Motion Sequencer—foi também avaliada a abordagem da interface do utilizador e o design do formato. Ao contrário do sintetizador de produção musical MOTIF, o Daisy foi sempre concebido para ser um sintetizador de performance ao vivo, por isso foi equipado com novas e poderosas funcionalidades para este ambiente específico, incluindo o Live Sets, que permite organizar livremente 16 sons no ecrã e alternar entre eles com um único toque; o Seamless Sound Switching (SSS), que assegura que a troca entre sons não provoca interrupções de áudio; e o Scenes, que possibilita a transição instantânea entre instantâneos de som. No design da interface para o novo ecrã tátil adotado, foi dada especial atenção à facilidade de utilização, organizando os botões do ecrã do Live Set da forma mais conveniente possível e maximizando a distância entre eles.
Nem todos os problemas puderam ser resolvidos apenas com o uso de um ecrã tátil para o display principal. Uma das maiores desvantagens deste tipo de interface é a falta de resposta tátil ao “pressionar” de botões no ecrã devido à sua natureza altamente visual e à planura inerente, o que não a torna ideal para ações rápidas e fiáveis. Por esse motivo, optou-se por permitir que todas as configurações também fossem possíveis sem o ecrã; no entanto, isso trouxe um desafio adicional, uma vez que a usabilidade seria comprometida se as relações entre os botões no ecrã não fossem totalmente consistentes com as dos botões físicos. Assim, os 32 botões de seleção de voz à direita do display foram também organizados em uma grelha uniforme. Quando a função Live Set está em uso, a matriz de quatro por quatro botões na metade esquerda da grelha corresponde às performances exibidas no ecrã; enquanto isso, a matriz de quatro por quatro na metade direita pode ser usada para selecionar diferentes páginas do Live Set.
A equipa de desenvolvimento revisitou totalmente os modos de operação dos botões, com o objetivo de criar um painel tátil e intuitivo. O layout e a operação dos botões acabaram por diferir ligeiramente dos do MOTIF, mas a firme dedicação à facilidade de uso beneficiou claramente da disposição para pensar de forma inovadora, sem se prender às convenções.
No que diz respeito ao design da estrutura, a equipa manteve uma postura firme na busca de uma gama de novas funcionalidades e, ao contrário do altamente linear MOTIF, avançou com várias ideias de design centradas mais na curvatura. Em particular, uma superfície traseira côncava nunca tinha sido vista num sintetizador Yamaha. No geral, foi adotada uma abordagem rigorosa em termos de facilidade de uso e conforto. Um exemplo notável é a consideração cuidadosa da curvatura e acabamento das áreas que entram em contacto com a palma da mão ao utilizar o controlo de pitch bend ou a roda de modulação.
Simultaneamente, os conversores digital-analógico (DAC), os circuitos analógicos e outros componentes que definem o som foram otimizados de forma exaustiva. Com mais capacidade de processamento, foi possível produzir sons mais complexos e de maior resolução, mas estes precisavam ser convertidos em sinais elétricos analógicos para serem ouvidos. Por isso, os circuitos analógicos pelos quais os sons saem do instrumento e entram no mundo audível foram aperfeiçoados através de testes auditivos meticulosos e seleção rigorosa de componentes. Os utilizadores de sintetizadores de software sabem que a interface de áudio afeta significativamente o som final e podem escolher conforme suas preferências, mas o desenvolvedor de sintetizadores de hardware deve entregar um pacote completo, incluindo este último elo na cadeia de produção de som. Para satisfazer estas necessidades, foi criado o Pure Analog Circuit (PAC)—um sistema de saída de áudio que superou até mesmo o MOTIF XF em termos de musicalidade. Graças ao PAC, o impressionante som do Motion Control Synthesis Engine, que combina o novo sistema de geração de sons e o Motion Control, pode ser ouvido em toda a sua glória.
Uma vez concluído, o projeto Daisy foi oficialmente nomeado MONTAGE em preparação para o lançamento. Este nome foi inspirado na palavra francesa para “montagem” e é também comum na indústria cinematográfica para descrever o processo de edição em que várias secções de filme são combinadas para formar um todo contínuo. Ao escolher este nome, procurou-se inspirar os utilizadores do novo sintetizador de topo a criar novas formas de expressão musical ao manipular o som com a funcionalidade Motion Control. Em maio de 2016, a Yamaha lançou com orgulho a nova geração de sintetizadores de topo na forma dos modelos MONTAGE 6, 7 e 8.
Mesmo com a transição do MOTIF para o MONTAGE, o conceito central por trás desses sintetizadores era diferente, o que significava que o MONTAGE não podia, necessariamente, fazer tudo o que o MOTIF fazia. Por exemplo, as duas séries diferiam consideravelmente em termos de funcionalidades do sequenciador: enquanto o MOTIF pode ser usado para criar músicas utilizando apenas o sintetizador, funções mais adequadas para uma DAW foram intencionalmente excluídas do MONTAGE para manter o foco na performance. Ideias de frases podem, claro, ser gravadas, e sequências MIDI podem ser reproduzidas como faixas de acompanhamento ou manipuladas ao vivo.
Desde o lançamento inicial em 2016, o firmware do MONTAGE tem sido atualizado várias vezes, com a adição de novas funções e sons. Assim, o sintetizador de topo da Yamaha continua a evoluir em sintonia com o mundo da música, criando novas músicas e sons. Isto é evidenciado pelo lançamento do MODX em 2018, um sintetizador compacto e leve que adotou completamente todos os conceitos de design do MONTAGE.
Numa época em que o papel dos sintetizadores de hardware estava em constante mudança, a Yamaha apresentou uma nova proposta para um sintetizador de produção musical com o MONTAGE, um modelo topo de gama que adotou uma abordagem totalmente diferente do MOTIF e que se focava na performance ao vivo.
O Piano de Palco (Stage Piano) Reinventado
Em janeiro de 2019, mais de quatro décadas após o lançamento do CP-70 pela Yamaha em 1976, um piano de palco simultaneamente portátil e capaz de produzir um som poderoso, a marca regressou a esta área com um par de instrumentos totalmente reimaginados — o CP88 e o CP73. Com nomes que evocam memórias dos célebres CP-80 e CP-70, estes novos pianos de palco têm uma história fascinante para contar sobre a sua criação.
Tudo começou quando um produtor da equipa de desenvolvimento do reface foi designado para liderar o projeto dos novos instrumentos CP da Yamaha. Não sendo um músico que tocava de pianos de palco, ele assumiu a tarefa de conhecer as pessoas que o eram. Para tal, visitou locais de música ao vivo onde pianos de palco da Yamaha e de outras marcas eram utilizados e também conduziu uma série de entrevistas para compreender melhor os utilizadores deste instrumento.
Um ponto importante retirado desta missão de levantamento foi que, embora os produtos da Yamaha fossem muito populares, muitos músicos apenas os utilizavam como pianos, sem modificar outras definições. Além disso, foram identificados dois grupos distintos de pessoas que utilizavam pianos de palco da Yamaha: aqueles que não aceitavam qualquer compromisso em relação ao teclado propriamente dito, e aqueles que valorizavam a portabilidade acima de tudo e não se preocupavam com a sensação do teclado ou com o número de teclas. Também foi confirmado que este último grupo utilizava principalmente sons de piano elétrico ou configurava o piano de palco como parte de uma configuração com dois teclados. Esta conclusão levou à evidente percepção de que fazer um único modelo que servisse para todos não era a melhor abordagem, e esta realização reflete-se no CP88 e CP73 apresentarem diferentes ações de teclado e um número diferente de teclas.
Assim que o conceito básico para os novos modelos foi estabelecido, os membros da equipa de desenvolvimento concordaram com a direção geral para as especificações técnicas e a interface. Os protótipos foram então construídos de forma coordenada com as secções de desenvolvimento relevantes e submetidos a várias fases de testes e verificação.
Durante este processo, o interface recebeu uma atenção especial. Foi essencial garantir que pianos acústicos, pianos elétricos e outros instrumentos, como cordas, fossem claramente diferenciados na seleção de sons. Através de um extenso processo de tentativa e erro, foram identificadas as melhores soluções para evitar a seleção incorreta de sons durante as atuações ao vivo. Para isso, foram substituídos os botões por interruptores e outros elementos de interface mais adequados à função, e os parâmetros mais relevantes para cada instrumento foram agrupados próximos uns dos outros. Ao contrário dos utilizadores de sintetizadores, os proprietários de pianos de palco nem sempre são especialistas em hardware musical. Assim, foi investido um grande esforço em garantir simplicidade e em tornar desnecessária a consulta ao manual para selecionar Sons, armazenar os sons criados pelo utilizador e configurar camadas sobrepostas, como piano e cordas.
O peso dos instrumentos foi uma consideração importante. Inicialmente, foi identificado que 20 kg seria o peso máximo além do qual uma pessoa teria dificuldade em mover e montar um piano de palco. Quem vive na cidade também prefere teclados mais leves, uma vez que tendem a deslocar-se para ensaios e concertos de comboio em vez de carro. Assim, foram feitos todos os esforços para atender a essas necessidades reais, mantendo os novos pianos de palco o mais leves possível. O CP4 STAGE e o CP40 STAGE já pesavam cerca de 17 kg, e a construção em plástico das suas carcaças fazia com que riscassem facilmente durante o transporte ou a montagem. Portanto, procuraram-se alternativas leves que fossem adequadas para um instrumento musical durável e fiável.
Um material promissor foi o alumínio, mas a vantagem proporcionada pelo seu baixo peso é compensada pela falta de rigidez, especialmente quando utilizado em superfícies planas, como as de um instrumento de teclado. Portanto, era necessário reforçar o material para torná-lo utilizável. A equipa de desenvolvimento recorreu à ajuda de especialistas em estruturas e, em conjunto, otimizaram a estrutura física através da avaliação exaustiva de várias abordagens. O resultado foi a construção em alumínio dos atuais CP88 e CP73.
As restrições de design também foram extremamente rigorosas no que diz respeito ao tamanho total dos pianos de palco. Normalmente, a maioria das placas de circuito num instrumento musical eletrónico é instalada em paralelo com o painel de controlo. No entanto, as placas analógicas do CP88 e CP73 foram dispostas em ângulo reto em relação a esta superfície, com o objetivo de manter os instrumentos o mais compactos possível.
Simultaneamente aos esforços para alcançar a forma ideal, foi dada igual atenção ao som dos pianos de palco, ajustando minuciosamente o teclado e o tom geral, e avaliando e verificando rigorosamente os resultados. O CP88 e o CP73 necessitavam de amostras da mais alta qualidade—particularmente para os sons de piano elétrico—por isso, todas foram regravadas na totalidade.
Assim, o CP88 e o CP73 não eram meras versões aprimoradas dos modelos anteriores, com interfaces, formas e geradores de som gradualmente melhorados. Eram instrumentos novos em si mesmos, completamente redesenvolvidos desde o início para fortalecer a série. A pesquisa com utilizadores realizada no início do projeto revelou que o grupo que insistia na melhor qualidade possível de teclado prefere que este tenha a sensação de um piano de cauda e o mesmo número de teclas. Por outro lado, os músicos que priorizam a portabilidade preferem um toque mais leve e menos teclas. Para satisfazer ambos os grupos, estes dois novos modelos CP ofereciam diferentes números de teclas e sensações distintas. Decidiu-se também que o modelo de 88 teclas deveria ter um teclado NW-GH3 com teclas de marfim sintético, acabamento em ébano e ação de martelo graduada, enquanto o modelo de 73 teclas deveria ter um teclado BHK com teclas pretas de acabamento fosco e ação de martelo balanceado.
O desenvolvimento dos sintetizadores e pianos de palco da Yamaha lançados entre 2015 e 2019 — nomeadamente a série reface, o MONTAGE e os pianos de palco CP88 e CP73 — não se baseou exclusivamente em avanços tecnológicos, apesar de serem todos instrumentos fundamentalmente eletrónicos. Em vez disso, foi necessário recomeçar do zero, com um foco em novas formas de apreciar o som, modos inovadores de expressão e novos formatos para instrumentos musicais.
